(S)MERCEDES SOSA - “LUCERITO”(F)
"Lucerito", es un disco que compila material inédito de Mercedes Sosa e invita a redescubrir a la artista tucumana en todo su esplendor, a partir de catorce canciones que la inmensa cantora grabó por primera vez y en solo tres días a principios del año 2000.
El álbum destila frescura y capta un momento vital en su carrera. Mercedes venía afianzada con su banda y decidió entrar a los estudios para registrar en caliente un nuevo repertorio junto a sus compañeros de ruta: Colacho Brizuela en guitarra, Popi Spatocco en piano y teclados, Carlos Genoni en bajos y coros, Rubén Lobo en batería y percusión y Beatriz Muñoz en coros.
La cantante salió mostrar el material a las compañías discográficas pero no obtuvo respuesta, lo que llevó a que las cintas originales quedaran olvidadas por 10 años, hasta que su hijo Fabián Matus las recuperara.
“Lucerito” sale a la luz en el año en que se conmemora el 80 aniversario del nacimiento de Mercedes Sosa, y propone una síntesis de una búsqueda ligada a rescatar las nuevas expresiones del folclore, a su ligazón con lo social, a sus desprejuiciadas formas que la llevaron a acercarse al rock argentino y también al tango.
Así, su canto profundo y necesario se escucha aquí en piezas de emblemas de la canción social como León Gieco, Víctor Heredia y Teresa Parodi junto a obras de Miguel Abuelo y Pedro Aznar, tangos de la dupla Troilo-Manzi y composiciones folclóricas de Raúl Carnota, Agustín y Carlos Carabajal, el Duende Garnica, Marcelo Perea y poemas musicalizados de Borges y Yupanqui.
Una de las curiosidades reside en que cuatro canciones pueden encontrarse únicamente en este trabajo: “Ojos de cielo” (Víctor Heredia),”Gira y gira” (León Gieco), Lucerito (Pablo Almirón) -que da nombre al disco- y “Como Adam” (Natan Zach-Shlomo Ydov) solo pueden encontrarse en este trabajo.
El resto encuentran aquí su registro original, ya que son composiciones que la artista grabó luego en segundas versiones para "Corazón libre" (2005) y "Cantora" (2009), excepto el bello "Caja de música" (Jorge Luis Borges-Pedro Aznar) que aparecería el mismo año 2000 en el disco homónimo de Pedro Aznar, "Alma de rezabaile"(Carlos Carabajal- Agustín Carbajal) en el disco de Natalia Barrionuevo "Sueños" (2001) y "Romance de barrio" (Homero Manzi- Aníbal Troilo) en su disco en vivo "Acústico" (2002).

 

Como para calentar este 2015, donde giran por toda la Argentina, el grupo de rock alternativo liderado por Luciana Segovia, decidió grabar un EP y editarlo en el que ratifica el rumbo tomado en “Rompiente”, donde abandonaron cualquier rasgo adolescente y se metieron de lleno en un sonido más poderoso que amplió su paleta musical.
El álbum abre bien rockero y toda velocidad con “Eléctrico”, con un gran trabajo de la base conformada por Martín Magliario en batería y Sebastián Leopardi en bajo, que sostienen el entramado que forman las guitarras de Gabriel Leopardi y Christian Bonelli, con Segovia desgranando una letra con contenido social.
La banda baja un cambio y gana en densidad en la oscura “Promesas”, donde Segovia arranca con la voz procesada, sobre una base firme de bajo y batería y con las guitarras metiendo arreglos, hasta llegar a un parte más power en el estribillo.
“El Cazador” la tiene a Segovia contando una historia que podría estar inspirada en “Mad Max” o en “Los juegos del Hambre”, mientras las guitarras van serruchando esa historia apocalíptica, que gana velocidad en el estribillo, pero en otras estrofas, las guitarras toman un camino marcado por los Queens of the Stone Age, con un frenesí de riffs machacantes sobre la base.
“Ecos” abre con un lindo arreglo de guitarra, la voz de Segovia recién levantada y toma el pulso de un medio tempo con un buen trabajo del bajo, hasta el estribillo en donde irrumpe la distorsión de las guitarras, que se despachaban con un solo melódico y le dan un tono épico a la canción. El EP cierra con “Ácido”, bien rockero, con los riffs golpeándote en la frente y la voz de Segovia volando destacada y al frente, demostrando el magnetismo de la vocalista.

 

Segundo disco de este trío liderado por el guitarrista y vocalista Simón Bosio, que recorre los caminos del grunge, del sonido stoner y el rock alternativo, con buenos resultados, con buenas canciones, que muestran una maduración, respecto de su CD debut.
Bosio y sus compañeros Fede Trench en bajo y en Axel Stahler en batería se pusieron bajo las órdenes de Tweety González, que le dio un audio notable al álbum y condujo la energía juvenil para que llegara a buen destino.
Simón, hijo del ex Soda Stereo Zeta Bosio, se revela con un guitarrista con muy buen gusto, con una pasión por los riffs y por la mezcla exacta entre el sonido valvular y saturado y un audio con mucho aire y bien internacional.
“Alas abiertas” es puro rock alternativo en la línea Foo Fighters, con un gran trabajo de toda la banda, y sirve como carta de presentación del grupo, que cambia su sonido a un rock stoner riffero y cargado de imágenes post-apocalípticas en “Factor de riesgo”.
La influencia de Queens of the Stone Age también se registra en “Donde el tiempo calma”, donde Simón demuestra su gusto por el rock duro, los riffs cargados de violencia eléctrica y sus compañeros lo sostienen saturando el audio, para darle características ruteras a la canción.
El hard rock de los ’70, las guitarras al frente marcaron a los 3 Armant, como lo cuentan en “Evitando la razón”, que se abre con riff idiota y pegadizo, como debe ser, para luego armar un estribillo con arreglos corales bien cuidados, y buenos arreglos de teclados.
“Circular” es la lectura stoner de los Armant, con un gran riff, una base poderosa, un sonido que parece impulsar a una maquina rodante alocada y destructiva, con nuevos y destacados arreglos corales, que sorprende para el genero.
“En trance” abre con el bajo al frente, saturado, bien grave, la viola punteando, la batería sosteniendo el juego de sus compañeros y por momentos esos riffs llevan al mejor rock argentino de los ’70 y al más duro, cosas como Vox Dei, Pappo Blues o Aquelarre, por los jugueteos en los riffs que realiza Bosio.
“Hice caso solo a tu nombre” bordea el sonido metalero aunque Bossio mantiene el riff en el camino del stoner, al igual que el gran trabajo del bajo y de la batería, que le dan a las canciones características solitarias, desérticas. Esa es además otra característica de Armant, armar canciones que pueden disfrutarse en un viaje, en una recorrida por paisajes conmocionados por la psicosis urbana, pero también aquellos despejados en donde el hombre se enfrenta a la inmensidad de la naturaleza bajo la influencia del Reino y el Sol.
“Deshacer” y “para escapar” muestran el gusto de los Armant por Led Zeppelin y el rock duro, con una base bien power, los riffs bien movedizos y los solos chirriantes, que muestra a Bossio desmarcándose del sonido que marco la carrera de su padre.
“Dos cuerpos” tiene un arranque blusero, con una gran abertura de la guitarra, pero el sonido de la batería y el bajo lo modernizan inmediatamente, lo meten en un sonido más stoner, bien trabajo, logrado, autentico, con arreglos de teclado que le suman a la parte blusera de la canción, al igual que la parte final de la guitarra.

 

El grupo malí Tinarawen lanzó al mundo su sexto álbum “Emmaar” –que en Argentina fue editado por el sello indie Ultrapop-, repleto de composiciones en las que predominan las guitarras arpegiadas, la percusión y una agradable pero tensa tranquilidad.
Desde la primera canción, "Toumast Tincha", bocanadas de aire caliente provenientes del desierto africano se acercan a los oídos, sumado a la rasposa voz al estilo Mark Lanegan de su líder, Ibrahim Ag Alhabib, que canta íntegramente en tarueg, la lengua de las tribus nómades homónimas de Mali.
Las armonías de las voces, nunca levantando el volumen más de los necesario, habla de un profundo conocimiento por la estética musical no sólo del norte africano, sino, también, del más elemental y clásico rock moderno.
Con una composición que se puede acercar al blues (con mucho chorus) como para afianzar el origen negro de ese estilo musical, la producción de Tinarawen no para de sorprender ni desde lo musical ni desde lo estrictamente biográfico.
Formada en 1979, se transformó en un grupo emblemático por la paz de su país durante los 80, grabando su primer disco recién en 2001 utilizando luz solar.
A partir de allí, estos malíes comenzaron una carrera ascendente hasta ganar un Grammy en 2012 a Mejor Álbum en la categoría "World Music" y comenzar giras a lo largo y ancho de todo el mundo.
En "Emmaar", cuyo boocklet trae las letras en inglés, toda esta tradición desértica, nómade y excelentemente bien producida muestra a un grupo que nada tiene que envidiarle a las bandas del primer mundo, sino que, en realidad, podría ser todo lo contrario.

 

Con un pop rockero La Ciudad Bajo la Niebla lanzó su segundo disco, "Salir a Matar", en el que se destacan los arreglos de voz y de guitarra, sumado a melodías pegadizas y muy digeribles.
El tinte melancólico e introspectivo de las letras queda en claro desde la primera canción, "Corazón", cuando el líder del grupo Martín Avati, canta "Quiero escaparme esta noche con vos, quiero cambiar mi destino, que tu presencia arranque este dolor".
Algunos colchones sintetizados, más un violín, le dan un aire etéreo a las guitarras rockeras que rememoran al más clásico brit pop, lo cual se acrecienta con la voz de Joaquín Levinton como invitado en "La cama desarmada".
En "Dormir con vos", quinto tema de la placa, Avati deja un poco de lado las rítmicas guitarras acústicas para meterle al álbum un beat de batería bien tecno, al mejor estilo Adicta, lo cual le agrega un nuevo color a un disco que ya de por sí tiene una amplia paleta para disfrutar.
"Salir a Matar" fue producido por Avati y Edu Schmidt y grabado por Álvaro Villagra en los estudios El Abasto, además de contar con la participación de Chano Moreno Charpentier (Tan Biónica) y Walter Piancioli (Los Tipitos), entre los 18 invitados que tiene el álbum.